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パリのスーパーマーケットで気付く事
ライター渡部のほうです。

ロンドンからパリに移動。
スーパーマーケットに並んでいるものを改めて見てみると、イギリスよりもフランスのほうが色のも形もバリエーションが多い事に気付く。
アパレル同様、生活用品も概して色のバリエーションが豊かで、かつ彩度の高い色が多い。

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洗剤のパッケージはいい例。ボトルも洗剤自体の色もど派手な青、ピンク、緑ががつっと使われている。イギリスも同様なブランドが多いのだけれど、例えば水色1つ取ってもフランスのほうが明るめの水色で、白地とのコントラストも強い。イギリスはもう少しグラデーションにしたり、全体的に抑えめの水色だったり。

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柔軟剤もご覧の通り。日本も柔軟剤はラグジュリアス路線で、これまた独自ではあるけれど、フランスの柔軟剤のピンク系の強さもかなりのもの。真ん中にあるシャキーンとしたものはドイツのドクターベックマンの製品。ほぼすべての製品にこの斜めボトルが採用されていて、特にうねうねしたボトルが多いフランスでは目立つ。
その右隣は日本でもおなじみフロッシュのフランス版、Reinet。カエルのマークもやわらかくなっていて、本場ドイツよりも日本よりも諸外国よりも、色があざやか。
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エコ系洗剤も同様に鮮やかな色。イギリスだけでなく、日本もアメリカも、エコ系の洗剤だとナチュラル=天然をイメージに、透明や白ベース、緑でもくすんだ感じの色合いを使いがち。対してフランスは、トロピカル?くらいな緑の使い方。

先にも書いたけれど、ボトルの形状も曲線を使ったものが多い。スペース上無駄なのでは?と思うようなにゅるっとした形が好まれるのか、特に持ち手の所やそれにあわせたラベルの形などに現れている。

洗剤パッケージ以外で気付いた事は、スパークリングミネラルウォーターのブランドBADOITがパッケージグラフィックのリニューアルをしたこと。

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これまで深緑一色の地にBADOITの文字が180度、横真っ直ぐに書かれていたものだったのが、丸い緑(フレーバーによりレモン味は黄色など応用あり)を左に、BADOITの文字は右上がりのグラフィックとなった。
よく見ると、水に限らず、炭酸飲料、ソフトドリンク全般に丸が増えている。

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コカコーラライトとフレーバー付きの展開も丸を中心にしたもの。炭酸らしさを表したものだろうか。現状、フランス、ドイツ、ベルギー、オランダではこのパッケージが出ているようだ。
炭酸飲料に限らず他の飲料もなんだか丸が増えている。と、いうより、フレーバー付きミネラルウォーターや茶飲料など従来よりも味が薄めのソフトドリンク自体の種類が非常に増え、それぞれ主張し合っている様子だ。

全世界的にソフトドリンク市場の売り上げは伸びているという。人口増加率と比例しているのかと思ったがそうではない。データが様々なので、ざっくりとしか言えないがヨーロッパの現在の人口増加率は年率0.1%ほどなのに対し、ソフトドリンクの売上は毎年3%以上(データソースによりかなり異なるのだが)伸びているという。
一方、ワインで知られるフランスでは急速にワイン消費量が減っているとも聞く。
アルコールではなくミネラルウォーターやソフトドリンクを飲むという傾向は、マナーの変化もあるだろうし、これもまた夏の暑さをしのぐ温暖化の1つの現れなのかもしれない。

おまけ。
世は韓国流行り。わさびフレーバーのアーモンドも「korean snack」と書いてあった。
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# by dezagen | 2019-09-25 19:48 | プロダクト・パッケージ
ロンドンデザインフェスティバル その2
ライター渡部のほうです。
ロンドンデザインフェスティバルの続き。

Somerset House で行われているユニクロの展示「The Art and Science of LifeWear: New Form Follows Function」
https://www.uniqlo.com/lifewearday/jp/ に足を運んでみる。
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こちらはデザインフェスティバル(9月14日〜22日)と時期の重なるファッションウィーク(13日〜17日)の一環として行われたもの。
エアリズムやウルトラライトダウンなど、おなじみの商品の素材解説を中心に紹介している。会場のデザインはペンタグラム、映像を使ったヒートテックのコーナーのみ Rhizomatiks ARCHITECTURE が手掛けている。送風機を使ってエアリズムの風通しの良さを見せる、ヘリウムガスのバルーンでウルトラライトダウンの軽さを見せる、と、説明文なしでもぱっと見て分かるダイナミックな展示が良かった。

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エアリズムに使われている生地を体感できるコーナー。少し人が動いただけでもふわりと動くような軽い生地なのだが、下がっている生地を引っ張るとかなりの伸縮性があり、かつ非常に強い事が分かる。

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他はロンドンの東部のほうで行われているLondon Design Fairや近辺の展示などを見たが、とりわけ目立ってこれは印象的だ、と思わせるものがなかったというのが正直なところ。

ざっくりとした印象しか書けないが、今年のロンドンのデザインの傾向をまとめると
・家具などよりも、インテリアアクセサリー、ステーショナリー類など小型化
・グラフィック、視覚的に重点を置いたものが増えている
・全体的なトレンドは見つけにくく、デザイナー自身が自分のものを好んでくれる買い手(バイヤーだけでなく個人消費者も含む)を探している。よく言えば個性を主張できる。
・雑誌やウェブメディアなど、デザインメディアのイベントへ参加が減っている(これは個人発信が増えたせいなのか、イベント自体が魅力が減っているからなのかは、判断がつかない)


私事になってしまうが、毎年ロンドンデザインフェスティバルを見に来てはいるものの、実質2日か3日くらいしか見る事ができず、ほんの触りだけ、という状態が数年続いている。驚きになかなか出会えなくなっているのは時間の短さのせいなのか自分の不勉強のせいなのか、恐らくどちらもあるのだろうが、今年は特に「デザインイベントの中にいいデザイン見つけられない」感を強く感じた。
というのも、ロンドンに来た次の日に global climate strike (日本語訳がばらけているが、グローバル気候マーチ。が多いよう)が行われていた事が大きな理由だ。国会議事堂のあるウェストミンスター近辺だけと聞いていたが、実際はもっと広がっていたようだ。迂回路を造っても間に合わなかったのか、中心部の道路はかなりの渋滞状態で、ウェストミンスターから離れた自分の滞在場所でも、かなり長い間人々が叫ぶ声が聞こえていた。

衝撃的だったのは新聞各社で使っていた少女の写真で、手のひらサイズのプラカードに「USE LESS PAPER(紙の使用を減らそう)」と書いていたこと。確かに大きなプラカード作って、後で捨てる事になってしまっては環境問題のデモとしては本末転倒になってしまう。こういう発想があったのか、と、はっとさせられた。
デザインイベントにもこれくらいの衝撃があって欲しかったし、特に同じ時期とあっては環境問題に対して提案するデザインが見たい。ただしデザインのプロとして人に見せるものであれば、単に紙を減らした、リユース、リサイクルします、というより、もっと斬新な、見る人の意識を変えるようなデザインコンセプトの提案があってもいいように思う。

先日読んだ朝日新聞の立命館アジア太平洋大学出口治明学長のインタビュー記事で、気になった言葉があった。
そもそもイノベーションとは何でしょう、という質問に対しての答え。
「この言葉を定義した経済学者のヨーゼフ・シュンペーターによると、イノベーションとは既存知の組み合わせです。知と知の間の距離が遠いほど、面白いアイデアが生まれる。」
((インタビュー)イノベーション立国論 立命館アジア太平洋大学学長・出口治明さん)

今のインテリア/プロダクトデザインの範疇から、遠いところにあってまだ気がついていないけれどデザインが活きる方法は何かないだろうか。そんな疑問を持ちながら生活、社会を見ていく事が必要なのではないだろうか。

# by dezagen | 2019-09-23 17:50
ロンドンデザインフェスティバル その1
ライター渡部のほうです。

毎年恒例の弾丸旅行で、ロンドンデザインフェスティバルに来ている。

期間中、200から300の展示やイベントがロンドン中で開催される。エリアを11に分けているが、キングスクロスエリアだけでもこの通り。かなりの物量だ。
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まずは、メインイベントの1つ Design Junction へ。
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キングスクロスエリア一帯が一大商業地区に変わりつつあり、天気も良好な土曜日ということもあって、エリア一帯(デザインイベントが目的かどうかはともかく)すごい人出。

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一番下に見えるのがキングスクロス駅。鉄路が繋がってるので分かるだろうか。
この黄色い部分が、Design Junction が行われているエリア。Steuart Padwick の木製ロボット(的な、とはいえ実は動かないのでちょっと残念だったが、インタラクティブオブジェ)があったり、若手から大手メーカーまで出展するブースの建物があったり、と1つのイベント内でも多様な「デザイン」の表現が見れる。

ちなみにこの地図上で黄色く塗られた1、2、3、5、6の間にある四角い建物の中に、ロンドン芸術大学の1つとなったセントラル・セント・マーチン校がある(2011年に中心地のソーホーエリアから移転)。

・デザインイベント、変わる出展者の傾向

興味深かったのは、これまで「家具」を中心としてインテリアデザイン周辺の物が展示されていた傾向が、ここ数年小さい小物、すぐ買えるようなインテリアアクセサリー、あるいはステーショナリーなど、ざっくり言うとライフスタイル雑貨、が増えている事。
また即売も OK としているところが多いので、普通に買い物に来る、という感じだ。

こうなると、建築やプロダクトデザイン関係の人達が集まるイベント、というよりは、グラフィックデザインやテキスタイルデザイン関係の人達も一緒になり、一般消費者にもアピールできるものが、来場者も多くなってくる。

個人的に面白いと思ったのは、ポスターを売る、という事。

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写真は Dorothy https://www.wearedorothy.com というマッピング(実際の地図や、概念図マップなど)を印刷物にして売っているユニット。普段はリバプールをベースに、オンラインでビジネスをやっている。
すでにオンラインで発表、販売の場を持っている人は、こうした見本市は実物を見てもらうのと同時に即売会ともなる。バイヤーとの交渉がともなう見本市とはかなり意味が違う。

他に Tom Pigeon https://www.tompigeon.com の幾何学形態だけで構成されたポスターがとても良かった。(記録を見たらこんな写真しかなかった、、、Tom Pigeonもオンラインで販売しているので、そちらの写真を参照して下さい。。。)
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こうしたイベントで販売されるポスターは、アーティストのアート作品複製ポスターや実際の広告に使われているポスター、あるいは映画やアイドルのノベルティとは異なり、グラフィックデザインのポスターである。
グラフィックデザインはポスターという商品として価値があるのだろうか、簡単に言うと、売れるものなのだろうか。
Dorothy、Tom Pigeon ともに聞いてみたのだが、アクセサリーやステーショナリーなど実用性のある小物の方が売れやすいのは事実だが、ポスターも安定して売れているとのこと。また、オンライン上で販売する際に、特に住宅事情が異なるアジアだから売れないということもない、とのことだった。

日本やアジアのインテリア系のデザインイベントでグラフィックデザイナーが印刷物を見せたり販売するのは、まだあまり定着していない。これをどう捉えればいいか、考え中である。

# by dezagen | 2019-09-22 15:21 | イベント
台北『中村至男自選展』を見て
・台北で新しい個展の展示をめざす
 
 グラフィックデザイナー、中村至男 http://www.nakamuranorio.com の個展『中村至男自選展』が7月5日より台湾台北市の文化施設、松山文創で開催されている。本来は9月1日で終了のはずだったが、好評を得て9月22日までの会期延長となった。
 今回の展示には私自身、スタッフとして参加している。コーディネーター兼共同プランナーといったような役割だ。内部から見て行ったこの展覧会の様子を書いてみたい。
(以下は敬称略、写真は中村至男、木村一心、渡部千春撮影)

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 中村至男の個展は、すでに日本では 2017年、2018年と G8他で行われているが、松山文創の会場はこれまでの個展とは規模が違う、500平米という面積での展示である。

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 ちなみに G8は120.01平米とのことなので、約4倍だ。2つの個展を合わせても足りないほどの大きさは、当初なかなか想像しにくかった。
 G8での2回の個展展示作品をそのまま持って行き、余裕を持たせればなんとか、という考え方もあったことはあったが、単純に過去の展示を持って行くだけというのは独創性がないし、台湾での来場者にも面白味なく映る。
 新作を入れることに加え、展示物の構成を変え、大きさを変え、見せ方を変えていく事で新しい展示として見てもらう。これを目標としてまずは肝となる作品、及び確実に展示する作品を決め、会場のおおよその設計が決まったところで、サイズや配置を考える。バランスを見ながら追加するものを考えて行った。
 
 バランスを見ながら、と書くのはたやすいが、遠隔地、異なる言語や異なるソフトウエアなど、様々なハードルがある。これをこなせたのはスタッフに恵まれたお陰である。
 主催会社 KKLIVE、JUSTLIVE就是現場  https://www.justlive.com.tw のディレクター、エリオット・チャンは会場の設営関係から経理、パネルなどの素材や印刷方法、販売グッズの管理、PRなどに至るまで全体を把握。彼のように全体も見つつ細かいところまで配慮をしてくれる人がいなかったら、今回のような完成度は望めなかっただろう。
 会場設計は VERY CONCEPTION 麻粒國際文化試驗 https://www.facebook.com/very.conception/ が担当。相互理解に齟齬がないよう、台湾在住の日本人設計士木村一心 https://www.isshin-taiwan.com に入ってもらった。木村一心がこまめにエリオット・チャンと VERY CONCEPTION とやりとりし現地の状況を伝えてくれたこと、かつ、3D データに慣れていない中村至男と渡部用に展開図、俯瞰図にしてくれたことで、格段に効率が上がった。

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 現地打ち合わせ、設営時、イベントでは通訳Chocoが細かくサポートしてくれた。言語を訳すだけの通訳の範疇を超えて、細かなニュアンスも伝え、なおかつ場の雰囲気からどのように動けばいいかといったアドバイスもくれた。台湾と日本の事情や常識感覚をしっかりと認識しているからこそできることである。

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・フローを考える
 
 展覧会の醍醐味の一つは動線という流れがあることだろう。例えばスマートホンや雑誌などで一つ一つのグラフィックを単体で見るのではなく、続けて見て行く。こうした流れの作り方は書籍と似ている。一連の流れを掴み、深み、和み、肝、穏やかな終わり(呼び方は私が勝手に群をまとめて呼んでいるだけだが)、というように緩急のあるフローを考えた。

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 まずは台湾の人にも馴染みのある現地で行われた『単位展』(2016年)のメインビジュアルや、中華系の人々にはウケの良い「a piece of spring」(2011年)、新作を最初の掴みとした。
 「ブルードラゴン」(2017年)やモニターを使う「Twin Unverse 」(2007年)などで少し余裕のある場の後に、台湾の人に認知度の高い明和電機の作品のコーナーをほぼ現物のみで密集させ、物量の多さ、細かさで密度が高い場を持ってきた。

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 和ませる部分は、ミッフィの作品(2017年『シンプルの正体 ディック・ブルーナのデザイン展 』での出展作品)や「私の部屋」パッケージデザインなど、ぱっと見てすぐ分かるもの。

 肝となるのは、会場の一番奥の部屋に設けられた、「どっとこ どうぶつえん」(初出2012年)、「Universe」(2018年)、「7:14」(初出2010年)の連作。スペースを広く取り、大きな作品をゆっくりと見てもらうことが狙いだ。
 日本ではなかった事の一つとして、「どっとこ どうぶつえん」の巨大な立体化がある。ワニは人が座れるほどの高さに、ゾウは高さ3メートルの壁を超え、幅は5メートル近い。巨大である。加えてその後ろ、壁の裏からキリンの長い首が見えているという構成だ。

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 会場他の壁面がほとんど白の中で、もともとの書籍『どっとこ どうぶつえん』に寄せ壁面を黄色くし、際立って華やかな場所になっている。ここは子供だけでなく、大人にもウケが良く。インスタグラムなどの SNS で見るとほとんどの人がここで写真を撮っている。

・大きさの力

 会場の床サイズも広いが、天高も高い。壁の高さこそ3mから3.5m と、ほとんど G8と変わらないが、天井の板がなく屋根そのものが天高となるので、上の抜けも大きい。この空間を活かす作品展示とするため、「春」や「7:14」を始め現地出力のものの多くはこれまでにない大きなサイズで出力した。最も大きなもので「a piece of spring」、「7:14」から2枚、「蛇口」(『Graphic Design in Japan 2013』表紙)で高さ約2m、幅約1,5m である。

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 自分の身長より作品が大きいと、見る側の目線も変わって来る。「7:14」の表紙のグラフィックでは、室内にいるような感覚になり、「蛇口」は落ちそうで落ちてこない水滴のギリギリの緊張感がより大胆に伝わって来る。

 立体的なモノとしての感覚やテクスチャーのない平面作品は、ネットでも簡単に見る事ができる。こと、中村至男の作品はグッズなどモノ化させたり、印刷のテクスチャーにこだわったりするものではなく、単純に視覚的な面白さを追求するものである。
 むろんスマートホンのサイズでも、PC のモニターのサイズでも、見たことには変わりはないのだが、そのサイズを超える印刷物で見てもらう事で、異なる視覚体験となる。
 中村至男の平面に特化した作品は、大きさやメディアに関わらず理解、解釈できるものだと思っていたが、私自身こうして大きく展示されたものを見ることで、より迫ってくるような体感として見ることができた。

・精緻さよりデザインの醍醐味に

 中村至男と仕事をするのは『明和電機の広告デザイン』(中村至男/土佐信道著、2006年 NTT出版刊)以来13年振りである。久しぶりに中村作品とガチで対峙することになったわけだが、以前に比べて随分変わったところもある。分かりやすいところではアウトラインが太くなって、大胆な作品が増えた事。また、ここ数年は特にくずしや、バグによるズレをも楽しんでいる。書道で言えば、楷書から行書、草書に進化しているようなものだろうか。

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 作品を大きく刷れば、イラストレーターのバグや線のつなぎ目のズレがより拡大されても見える。
「あえて残している部分もあります」と中村至男はいう。「自分の作品はそうした精緻さを問うわけではないんです。過去には神経質なほど線の位置にこだわった時期もあったんですが、今はそれほど精緻さにこだわりはなくなってきました。むしろ、正確さ精密さだけではないデザインの醍醐味に焦点を当て、見ることの面白さを拡大していきたいです」
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・「見る人」中村至男

 展示企画が始まってから開場(及びイベントなど)に到るまで、中村至男と何度もミーティングを重ね気付いた事がある。中村至男はあまりメモを取らず。メモ代わりの写真もほとんど撮らない。つまり、文字や写真の記録に依存しない、ということである。
 その代わり徹底的に「見る」。見たことを体感として覚えておく、頭の中に記録しておく。また、見る集中度も高い。中村至男とのLINE によるチャットで、強く記憶に残った言葉がある。どういう話の流れでそう言ったのか自分でも忘れてしまったが「井の中の蛙大海を知らず」と私が書いたところ、「大海の中の潮流(流行)、井の中の大宇宙を知らず」と返された。
 井戸(あるいは沼や池でも良いが)の中にも小さな生物による世界がある。ささいに見える事をじっと見続け、想像力をたくましくしていくと、新たな宇宙観が見えてくる。中村至男はその宇宙の中で広がっていく、見る楽しさを「視覚の喜び」と言う。

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 記録媒体なしで「視覚の喜び」を留める、自分自身の身体に留め、作品の中に留める。視覚体験も含め、自分の体感を信じて、極力余計な情報を入れないようにしているように見える。
 自身の体感を信じ、続けていくのは容易に出来ることではない。視覚を記憶し再現することは「頭が覚えていて頭が動く」ということになるだろう。頭に溜めて溜めて構造ができたところで表現にまで作り込む、これが中村至男の方法であり、それがゆえに出来ている作品群なのだ。

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 展覧会のイベントとして行われた明和電機との対談で、明和電機社長土佐信道がこんな事を言っていた。
「中村さんは、視覚の中の仕組みというのを必ず考えている。グラフィックを見た途端にクスっと笑えるような、皮肉もあって面白い、そんな瞬間が常にあります。明和電機というモチーフを使っても、やっぱりその仕組みがあって、それから頭にスイッチが入るのを今回感じました」
 こうした揺るぎのなさは長年付き合いのある明和電機でも、今回の展示で気付いた事だという。

 中村至男の作品すべてではないが、かなりの量の作品を俯瞰し、かつ、広いスペースで堪能できる展覧会に仕上がっている。9月22日ももう間近に迫ってきたが、日本ではまでできていない規模の大きなこの展示を1人でも多くの人に堪能してもらいたいと思う。

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展覧会の詳細情報はこちらから
公式 facebook
渡部千春の facebook(公式サイトの和訳)
justlive のチケット情報

# by dezagen | 2019-09-07 13:23 | 展覧会
北京で見たもの
ライター渡部のほうです。

昨年からたびたび中国に行くようになり、現地のパッケージも見慣れてきて「とりわけレポートというほどでも」という気分だったのだが、やっぱりよく見ると日本と全然違う。ということで、北京のパッケージ篇。

特に、北京の中心地に泊まっていたためか、旧来の建造物保存のため大型の土地開発がなかなかできない。店も個人商店のような小さいものがほとんど。となると、大型チェーン店とはまた違った品揃えで、新旧混在。

スーパーマーケットのペットボトル飲料コーナー。こうしてみると日本と大差ないようにも見えるけれど、色の使い方はかなり派手。
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北京で一番最初にびっくりしたのはヨーグルトかも。
ガラス瓶入り。瓶はその場で返すので、「ここで食べて」と言われる。
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紙のふたを開けるとすぐヨーグルト。かなり固形なのだが、ストローで飲む(すする)。
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袋入り牛乳。液状、半液状のものが袋入り、というのは割と多い。
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着いた日は30度近く、とかなり暑く、滞在中毎日1本アイスバーを食べる。種類が多かった。
日本にもあるチョコレートコーティング系とかパフェ系とかもあるのだが、あえてここは私の趣味セレクト。
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包み方が簡単なんだな。アイスバー+紙、以上、みたいなの。
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上のアイスバーシリーズが一番うまかった。小豆、緑豆、ヨーグルト、ミルクフレーバー(他に麦味というのがあるらしい)。あえてレトロなパッケージグラフィックにしてるようだが、本当に昔ながらのアイスバーの味。
これもぺろっとうっすい紙を巻いただけ。それにしてもどうやって巻くのだろうか。きちんとアイスにくっついているし、剥がす時は破れないし、棒のところをひねっているところを見ると、手作業なんだろうか。その工場の巻く部署を考えるだけで寒い。
会社のウェブサイトがあった。寿光华银食品 http://www.huayinshipin.com/nav/27.html

最近日本で見ない、割って食べるタイプ。
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このメーカー北冰洋は飲料も出していて、これも懐かしい感じのオレンジ炭酸ジュース↓。ジュースがうまかったんで、アイスも外れなかった(らしい)。
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缶といえば、コカコーラはインターナショナル感溢れる(もしデザインリニューアルしてなければ、アラン・チャンのデザインのはず)しゅっとした感じ。
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漢字ロゴもカッコいいけど、蓋部分の文字の刻みがカッコいい。
中国の漢字は先が尖った鋭い字体がいい。
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毎度おなじみ、「牛」シリーズ。
パッケージじゃないけど、この「牛」は非常に良い。勇ましい。
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乳がピンクなのがダイレクト過ぎるホルスタイン系。
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牛キャラ。どこの国にもいるが、牛ってこんな生やさしいもんじゃない。かわいくしないで欲しい。
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絶対マズいだろうなーと期待しないで買ったフルーツパン。
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これが、ゴロゴロドライフルーツが入っててうまかった。5元は80円くらい。また食べたい!

昨今世界的にもUberEATSとかデリバリーが流行ってるが、中国都市部の出前文化は多分世界の先端を行ってる。スマホで呼ぶだけ。決済もスマホ。しかも種類が半端ない。

容器もデリバリー用に、下にご飯、上におかず二種を入れるパッケージになってる。
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頼めばこんな鍋みたいなのもあっつあつでやってくる。よく容器が壊れないもんだ、と思う程ペコペコのプラスチックだけど。
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パッケージとは関係ない。単なる洋品店。私の世代には懐かしい、YMO増殖的な何か。
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北京は50代にはたまらない都市。

# by dezagen | 2019-05-13 17:47 | プロダクト・パッケージ